Toronto's Erotic Art
show presented by Festival d'art érotique de Montréal
Provocation
- ARTUNDRESSED
Presented at Wicked Club
1032, Queen St. W, Toronto
Sept, 30th and October, 1st, 2011
|
|
PART
OF EROTIC SIGNATURE OFFICIAL TOUR
"The World's Greatest Erotic Art
of Today"
|
INVITED
ARTISTS
|
|
JOSEPH
ANDRÉ
PIERRE-ANDRÉ ARCAND
ARGAIVE
KEVIN BEAULIEU
BLANCHE'S
LUMA BRIEUC
DANIELLE DEMERS
MÉLINA DOYON
MELANY FAY
VIAD GANSOWSKY
|
MARIANNE GIRARD
YVES GONTHIER
HASSAN
RADU JUSTER
ANOUK LACASSE
PATRICK LARRIVÉE
JESSICA LAUZON
MARIE-ANDRÉE LEBLOND
PAUL-TEX LECOR
LIPSTIK |
LUCIEN LISABELLE
L'OR
MARGOTELLA
JULIE MERCURE
PAYAM MONTAZAMI
TONY MORIELLO
REECE NEWTON
OURAM SAINTE-SOPHIE
LAURENCE PETITCLERC
CCANA PONCE
|
THIERRY QUENETTE
VANESSA ROBERGE
JULIE ROBINSON
ROUSTAN
JEFFERY L. SPICER
TONE
VID VICIOUS
WILLY
JIM YOUNG |
Joseph André
La trans 1, 2006
Oil on Canvas
15" x 30"
1200$
Né à Port-au-Prince (Haïti) en 1961. Depuis l'adolescence,
il n'a cessé de crayonner avec tout ce qui lui tombait dans
les mains, même s'il n'avait pas évolué dans un milieu artistique.
Avec le temps, André Joseph a vite compris que la peinture
exige une forte quantité de connaissances et de patience
pour faire passer son message à travers les lignes et les
couleurs.
En 1978, il est entré à l'Académie des beaux-arts, où il
a fait un court passage. Deux ans, plus tard après ses études
classiques, il a monté avec des amis son premier atelier.
Tout au cours de cette période, l'art a dominé sa vie. Il
n'a jamais laissé tomber son violon d'Ingres. En 1983, il
a recommencé à peindre régulièrement en même temps qu'il
enseignait les langues et les littératures. Autodidacte,
il n'a pas hésité à découvrir d'autres styles et a pris
la peine de connaître les grands peintres de tous les temps.
Après ces expériences, il s'est mis à travailler assidûment
le dessin, le portrait, l'anatomie, et la technique du crayon
de cire, tout en se laissant influencer par la peinture
européenne. Son style est en constante évolution. De 2001
à 2006, il a enseigné le dessin et la peinture au Centre
Nouvel Horizon du Québec. Depuis 2006, il faisait partie
des membres d'administration du Conseil de développement
culturel de Villeray-Saint-Michel-Parc-Extension. De plus,
je suis président de Espace d'Expressions et de Création,
membre de Diversité Artistique de Montréal et du Conseil
des arts du Québec.
À son arrivée au Canada en 1988, il a continué à travailler
chez lui. Il mélange continuellement écriture et couleurs.
Ensuite, il a fait un mineur en histoire de l'art. Pour
lui, l'art ne connaît pas de frontière. André Joseph a réalisé
nombreuses expositions individuelles et de nombreuses expositions
en groupe en tant qu'artiste et commissaire un peu partout
au Québec, au Nouveau-Brunswick ainsi qu'aux États-Unis.
|
|
Démarche
La passion du dessin et le désir de création surprend Joseph
André dès l'adolescence. Dès lors, ses crayons de couleurs
et ses carnets ne le quittent plus. Son environnement immédiat
devient son terrain de chasse, où il capte sur papier, les
formes et les objets qui l'entourent.
Son coup de crayon acquiert plus d'assurance avec le temps.
Le désir et le besoin de s'exprimer à travers l'art le mènera
à approfondir ses connaissances. En effet, Joseph André
prend alors conscience qu'en même temps que chaque artiste,
de par sa personnalité, est unique, il est aussi le produit
de son milieu. De ce fait, une œuvre n'est pas que le fruit
de l'imagination d'un artiste, mais aussi une expression
des influences de son environnement. La production artistique
de Joseph André acquiert dès lors une identité propre, unique
et indépendante, de l'artiste et de son milieu. Elle vise
un dépassement autant au plan personnel qu'au plan collectif.
Artistiquement, cette réalisation se traduit par un départ
du dessin à la peinture à l'huile. La peinture permet à
Joseph André de concrétiser ses dessins, esquisses et ses
questionnements. De 1987 à 1994, l'œuvre de Joseph André
se caractérise par la transmission d'un discours sociopolitique
qualifié d'ironique, de dérangeant, provocant et agressif.
De façon parallèle, poursuivant ses études et ses expérimentations
artistiques, Joseph André explore les grandes tendances
artistiques contemporaines, l'abstrait, les raphaëlites,
les modernistes, sans oublier la peinture surréaliste, en
dépit de la peinture figurative qu'il travaille.
Ses œuvres connaissent alors des thématiques plus diversifiées
: paysages, scènes politiques, portraits, scène de genre
et de vie. Ses sources d'inspiration deviennent plus élargies,
des composantes émotionnelles et intellectuelles s'entremêlent.
De 1990 à aujourd'hui, l'emphase est alors posée sur l'être
humain, mis en lumière par la technique de la transparence.
Ses œuvres, au lieu d'interpeller l'observateur par ses
questionnements politiques, danse avec lui et noue une relation
émotionnelle sur un fond de jazz. Sa création permet toujours
un débat avec l'observateur, mais à partir de plate forme
diverse, autant au plan esthétique qu'au plan de la pertinence
de l'œuvre.
Toujours dans la recherche et le développement de son œuvre,
Joseph André espère ainsi, avec son travail, pouvoir contribuer
de façon intéressante et significative, à la progression
de l'art et à son enrichissement.
|
Pierre-André
Arcand
Pierre-André Arcand
vit à Montréal et à Saint-Roch de Richelieu (Québec).
Artiste multidisciplinaire et poète, Pierre-André Arcand
a poussé des racines en écriture, en poésie visuelle et
sonore surtout. Il a pratiqué l' installation, fait des
livres-objets et de manière soutenue des performances de
traitement sonore et vidéographique en temps réel. Il est
aujourd'hui davantage présent dans les domaines des musiques
expérimentales, de la vidéo, de la peinture virtuelle et
dans les sphères de l'exploration artistique qui intègrent
les technologies contemporaines. Il s'est produit dans plusieurs
pays, a publié entre autres dans les revues Inter, Doc(k)s,
Baobab, Rampike, Estuaire. 7 disques compacts solo sur étiquette
OBZ, OHM, Generator et Ambiances Magnétiques Collaboration
à de nombreuses compilations et anthologies.
Pierre-André Arcand Lives in Montreal and St-Roch de Richelieu
(Quebec). Poet and multidisciplinary artist, Pierre-André
Arcand was active in the spheres of performance, poetry,
experimental music, audio video art and in domains of the
artistic exploration which integrate the contemporary technologies.
His activities include writing, visual poetry, sound poetry,
performance, installation, objects, books. At the end of
the years ' 90, became Transfuge in electronic and media
arts. C D's and DVD's. Real-time audio and video treatment.
Sounds-actions-and projections. Acoustic, electronic and
digital art in performance, equipped with the Macchina Ricordi,the
resonant book and ashtray, his voice and the multiple personae
he incarnates. Since 2007, he mainly devotes himself to
digital painting. Published in Inter, Doc(k)s Baobab, Rampike,
Estuaire, magazines; 7 compact disks solo on OBZ, OHM ,
Generator and Ambiances Magnétiques labels.
|
|
Elle bienmise 2, 2009
Giclee on canvas
26" x 33"
650$
Démarche
Artiste multidisciplinaire, je me suis fait connaître
dès les années '80 dans le milieu de la poésie sonore et
visuelle d'abord, celui de la performance et de l'installation
ensuite avec le collectif Inter pour migrer dans les années
'90 vers l'art audio, vidéo et la musique bruitiste avec
le collectif Avatar de Québec. Un long parcours de performances
basées sur le traitement audio et vidéo en temps réel avec
un logicel de ma conception : la Macchina Ricordi.
Mes explorations vidéographiques
privilégiaient la vidéo abstraite et la vidéo peinture,
et c'est l'apprentissage du traitement de l'image animée
ou fixe qui me conduit en 2007 à explorer la qualité picturale
des pixels à travers la peinture numérique. J'ai développé
depuis un corpus de plus d'une centaine d'oeuvres : peintures,
photopeintures et dessins numériques réalisés sur écran
tactile d'ordinateur avec un stylet qui devient au besoin
crayon, pinceau, spatule, buse. De cet ensemble, une cinquantaine
ont pour sujet l'érotisme et la sexualité. L'impression
sur toile se fait par giclée de pigments de couleur suivie
de l'application à la main d'un vernis acrylique.
|
Argaive
Reve - Dream
Photography on paper
18" x 12"
Ltd. Edition of 50
250$
"Argaive has
been pursuing photography since early teen-age and, being
always in search of new themes, turned to nude, erotic and
fetish photography six or seven years ago.
Argaive for the most part produces simple and striking images.
That said, from time to time he likes to include subtle
details that will cause the viewer to take a second, closer
look. He prefers punchy colours and strong contrasts, and
he particularly enjoys working with creative lighting."
_______________________________________
"Argaive pratique la photographie depuis le début de l'adolescence
et, étant toujours à la recherche de nouveaux thèmes, se
tourna vers la photographie nu, érotique et fétichiste il
y a de cela six ou sept ans.
Argaive produit des images qui sont pour la plupart simples
et frappantes. Cela dit, de temps à autre il aime à inclure
des détails subtils qui fera prendre au spectateur un deuxième
regard plus attentif. Il préfère les couleurs vives et les
contrastes accentués, et il aime particulièrement travailler
avec des éclairages créatifs."
|
|
Artistic statement
I've been asked more than once if my goal is to provoke
or even shock people. Not at all. I think in images, and
if I believe a given idea will create really cool images,
then I go with it. My images leave no one indifferent though.
I don't limit myself to one particular style or genre. I
enjoy experimenting with new ideas and techniques and try
to avoid repeating myself. I'm happy to oblige when a private
client wants a look I've done before, but I see no point
in adding just more of the same to my portfolio. In fact,
I initially turned to boudoir, nude, erotic and fetish photography
a few years ago in order to develop something new and different
(to me, that is).
That being said, I don't treat that as a limiting factor
either. If I feel I can add something new to a previous
concept, then I won't hesitate to do so.
I want to produce simple and striking images, and from time
to time I like to include subtle details that will cause
the viewer to take a second, closer look. For the most part
I work with punchy colours and strong contrasts, and I particularly
enjoy working with creative lighting.
Some of my images seem to be a snapshot from a larger story.
This is sometimes intentional, sometimes not. In any case,
when a viewer sees more in one of my images than I myself
intended, then I feel I've accomplished what I set out to
do.
Démarche
On m'a demandé plus qu'une fois si mon but était de provoquer,
voir même choquer les gens. Pas du tout. Je pense en images,
et si je crois qu'une idée quelconque créera des images
vraiment «cool», alors je l'applique. Toutefois mes images
ne laissent personne indifférent.
Je ne me limite pas à un style ou un genre particulier.
J'aime expérimenter avec de nouvelles idées et techniques
et j'évite tant que possible de répéter un concept. Il me
fais plaisir d'utiliser un style préalable pour un client
privé quand on m'en fait la demande, mais je trouve inutile
d'ajouter que du pareille au même à mon portfolio. C'est
justement pour devlopper quelque chose de nouveau (nouveau
pour moi, bien sûr) que j'a pris un virage vers la photographie
de charme, de nu, érotique et fétichiste il y a maintenant
quelques années.
Cela étant dit, je ne m'empêche pas de reprendre un concept
si je crois pouvoir y ajouter du nouveau.
Je tiens à produire des images simples et frappantes, et
j'aime ajouter de temps à autre des détails subtils qui
peuvent provoquer un deuxième regard plus attentif. Pour
la plupart, je travaille avec des couleurs vives et des
contrastes accentués, et j'aime particulièrement travailler
avec des éclairages créatifs.
Certaines de mes images semblent être saisies lors d'une
histoire en cours. Parfois c'est voulu, et parfois ce ne
l'est pas. Dans tous les cas, quand un spectateur en voit
au-delà de mes intentions dans une de mes images, je crois
bien avoir accompli mon but.
|
Kevin
Beaulieu
Il n'y a pas que les gorilles qui aiment les bananes, 2011
Mixed medium on canvas
24" x 24"
250$
|
|
Démarche
Dans mon travail, je tends vers des propositions aux techniques
et aux mediums variés. À travers la peinture, la sculpture,
la photo et la vidéo, je produis essentiellement une création
qui questionne la représentation du corps d'une manière
expressive et brutale. Par
l'ambigüité ou la provocation, je veux déstabiliser le regard
du spectateur face aux stéréotypes prédisposés de la chaire
humaine et de ses innombrables limites.
Couramment, j'utilise des matières pauvres ou organiques
comme de la viande, de la bière, des cheveux ou certains
fluides du corps humain, afin de montrer les êtres humains
comme des êtres finis et rebuts.
Mon esthétique, parfois stridente, parfois plus sensuelle,
confronte l'envie et le dégoût envers l'humain. Les positions
ouvertement dégradantes, que je donne à mes protagonistes,
cherchent à rappeler la puissance des affects qu'ont nos
sentiments élémentaires à notre égard. Par leurs actions
ou leurs apparences, j'essais de faire ressortir l'intérieur
bestial des êtres humains sur leur enveloppe charnelle.
Leur corps devient support de leurs sentiments de violence
et d'angoisse. Les oppositions sont une des bases de mon
travail ; je joue avec le chaos et la symétrie de l'image,
j'observe la collision entre la haute et la basse culture,
entre l'attirance et la nausée sexuelle, entre la sensibilité
et la crasse de l'âme.
Le comportement de certaines personnes devant mes œuvres
m'interrogent beaucoup. Mon art est une recherche sur la
morale. Je recherche les limites de la représentation acceptable
aux profits de l'inacceptable. Trop souvent dans l'art les
gens voient bien ce qu'ils veulent. Moi, je leur montre
ce qu'ils ne veulent pas voir, ce qu'ils préfèrent ignorer.
Les gens sont anxieux devant ce qu'ils ne comprennent pas,
mais, heureusement, ils y sont aussi fort bien attirés.
D'après moi, l'art peut provoquer des discutions, des émotions
et des sensations que la société semble parfois vouloir
cacher ou sublimer. En confrontant sans cesse nos dogmes,
j'essais de suscité le débat, ou, du moins, la discussion,
afin de remettre en question nos convictions acquises. Souvent,
mes œuvres son inspirées d'histoires vraies qui me semblent
absurdes et inhumaines.
J'essaie à travers mes essais de comprendre le "Ben voyons
donc?" que suscite parfois l'inexplicable humain.
|
Blanche's
Le corps comme support de
soi étudié par l’œil divers des médiums nous amènent à réfléchir
l’esthétique des messagers par lesquels l’érotisme s’exprime.
Art classique, performance, esthétisme relationnel, chaque
forme révèle un angle de traitement du sujet et s’expose
donc lui-même à l’observation. Ultimement, les Blanche’s
sont ces manifestations analysant des manifestations traitant
du sujet, le corps et ses environnement, manifestant Éros!
Dans le cadre du FAEM, les
photos retenues traites autant de l’érotisme que du travail
fait en chambre noir, angle, inversion, jeu des chimies,
impression des négatifs, autant de façons d’aborder le sujet
par des sujets.
Les Blanche’s sont instigateur de l’événement collectif
pluridisciplinaire Érotiquer à Trois-Rivières (2006, 2008)
et sont en préparation du prochain événement ÉrotiquerIII
A.V. Thanatos qui aura lieu en Mai 2012, toujours à Trois-Rivières.
|
|
Not yet 2
Mixed medium photography on paper
16" x 20"
40$/ 100$enc |
Luma
Brieuc
Je ne peux rien te cacher, 2008
Corporal art and photograpy
11 "x 14"
220$
|
Luma R. Brieuc est une artiste
autodidacte multidisciplinaire qui se spécialise dans l'art
corporel au henné et la photographie depuis l'an 2000. L'art
au henné est devenu une passion pour l'artiste après être
tombée par hasard sur un livre de motifs traditionnels au
henné, alors qu'elle se trouvait dans une librairie. Depuis,
des heures innombrables d'expérimentation, de pratique et
de recherche sur l'histoire et la tradition de cette ancienne
forme de décoration corporelle lui ont permis de développer
son style original et de sortir cet art des sentiers battus.
Son talent pour la photographie
s'est manifesté à peu près au même moment où elle découvrait
le henné. Après qu'un ami lui ait prêté un appareil photo,
elle a commencé à développer ses capacités innés pour ce
médium et de photographier ses oeuvres au henné. Il n'en
fallait pas plus pour que cette artiste s'aventure à vouloir
créer sa première exposition de portraits au henné intitulée
À FLEUR DE PEAU.
À FLEUR DE PEAU est la première
exposition photographique d'art corporel au henné de son
genre. Son objectif est de célébrer l'art au henné en mettant
en valeur la beauté, la complexité et la diversité des motifs,
et de donner l'occasion au grand public de découvrir cette
très belle forme d'art éphémère encore si peu connue, malgré
le fait qu'elle soit utilisée comme décoration corporelle
depuis 8000 ans à travers l'Europe, l'Afrique, le Moyen-Orient
et l'Asie.
Tous les motifs au henné sont
dessinés à main levée et pour la réalisation de chaque portrait
photographique, il faut en moyenne 70 heures de travail
par l'artiste, incluant la conception et la création du
motif, la séance de photo et l'édition.
Un des thèmes sous-jacents
de la démarche artistique de l'artiste est comment des opposés
- tel qu'un art ancien mis dans un contexte moderne, des
motifs féminins sur des corps masculins, l'art éphémère
rendu perpétuel par un art permanent - peuvent être mis
ensemble pour former une image harmonieuse malgré la qualité
parfois très contrastée de chaque polarité.
Luma R. Brieuc est la fondatrice
de Lumanessence. Elle fournit un service professionnel d'art
corporel au henné pour tous genre d'événements spéciaux
ainsi que des rendez-vous privés, des ateliers et des produits
de henné . Elle offre également service de photo de nu artistique.
|
Danielle
Demers
Netted, 2011
Photography on paper
11" x 14"
450$
|
Mélina Doyon
Mélina Doyon possède un diplôme pré-universitaire
en arts plastiques et termine présentement un DEC en Illustration
& Design au collège Dawson.
Depuis très longtemps le dessin, la peinture et une multitudes
de techniques artistiques la passionnent.
Soul mate 2010
Mixed medium on paper
20X24 cm
50$
|
Melany Fay
Right and true, 2011
Mixed medium on wood
12x12
250$
I Love to create objects of
desire where the essence, the true meaning is hidden in
the details. Precious and living, my art pieces are made
from the elements, true or symbolised. Working with water,
wood, gold and blood. I express in images, the human beauty,
its subtleties, restrained desires, vulnerabilities and
Love.
J’aime créer des objets de désirs ou l’essence, le sens
propre, est dissimulé dans les détails. Précieuses et vivantes
mes œuvres se construisent avec les éléments, symbolisés
ou réels. Travaillant avec l’eau, le bois, l’or et le sang,
j’exprime en images la beauté humaine, ces subtilités, désirs
refoulés, vulnérabilités et l’amour.
|
Artist Statement
I am interested in the past as a mean to construct the future.
I paint on different surfaces, canvas, wood and others,
using different mediums, such as acrylic paint, gold, papers,
fabrics and my own blood (as a symbol of life). I want to
create precious but living pieces: objects of desire.
I express human beauty, its
subtleties, its restrained desires, vulnerabilitie and love.
Complex pieces in which a multitude of small squares, textures
and materials reinforce the initial symbolism and bring
back the attention to the essential: know how to look beyond
appearances. From these compositions will spawn a story,
an emotion, a feeling… a snapshot of myself.
It’s only in the wholesomeness
of my work that we can recognize and feel my process in
its complexity. I claim the right to be many: I am movement,
always renewing myself. Inconstant Fickle-minded by nature,
I like change and with the courage of my imperfections I
try to create a link with the public, to share my sensitivity,
my vulnerabilitie and my openness.
In a Confusion between the
subjective and objective universes and beyond the point
of view, lie something invisible, magical and attractive
remains. I question relationship we have with intimacy and
its importance in our lives.
Démarche Artistique
Je m’intéresse au passé comme élément de construction de
l’avenir. Je peins sur différents supports, canevas, bois
et autres, utilisant des médiums divers, comme l’acrylique,
l’or, les papiers, les tissus et mon sang (qui symbolise
pour moi, la vie). Je veux créer des œuvres précieuses et
vivantes : des objets de désirs.
J’exprime la beauté humaine, ses subtilités, ses désirs
refoulés, la vulnérabilité(s?) et l’amour. Œuvres complexes
dans lesquelles une multitude de petits carrés, de textures
et de matériaux renforcissent le symbolisme initial et ramènent
l’attention à l’essentiel : apprendre à regarder au-delà
des apparences. De ces compositions naissent une histoire,
une émotion, un sentiment… un morceau de moi pris sur le
vif.
Ce n’est que dans la totalité de mon œuvre que l’on peut
me reconnaître et ressentir ma démarche dans sa complexité.
Je revendique le droit d’être multiple, je suis mouvement,
sans cesse en renouvellement. De nature inconstante, j’aime
le changement et avec le courage de mes imperfections je
tente de créer une connexion avec le public, de partager
ma sensibilité, ma vulnérabilité et mon ouverture.
Dans une Confusion entre les univers subjectifs et objectifs
et au-delà du point de vue, il reste quelque chose d’invisible,
de magique et d’attirant. Je pose un questionnement sur
le rapport que l’on entretient avec l’intimité et son importance
dans nos vies.
|
Marianne Girard
Jude
Acrylique sur toile et cadre laquei
25X21
550$
|
|
Marianne Girard (MG) est une
Montréalaise pour le plus lointain de ses souvenirs, mais
en fait, elle est née à St-Alfred de Beauce le 26 avril
1984. Marianne a une formation en arts au cégep du Vieux-Montréal
et à l’UQAM, ainsi qu’une formation en graphisme au collège
Ahuntsic. Elle pratique la peinture acrylique depuis plus
de 10 ans. Son sujet de prédilection est la femme et ses
états d’âme. Elle emploie une touche de lignes très graphique,
beaucoup de textures, des courbes étudiées et des contrastes
forts. Elle est exposée entre autre au Miss Villeray, au
Candy nail bar et au salon spa Oblic. Elle a fait sa première
exposition solo en avril 2011.
|
Yves
Gonthier
Vénusweb, 2011
Numeric art on canvas
20" x 8"
190$
|
Démarche
On dit d'Yves Gonthier qu'il
est un alchimiste de la couleur. Avec ses créations il occupe
plusieurs territoires : la figure humaine, la nature, l'abstraction.
Cette mosaïque de sujets, de styles, de médiums, additionnée
de recherches, de trouvailles, de reprises de thèmes compose
l'édifice de son art. Il a réalisé des œuvres de très grands
formats, que ce soit pour des projets personnels, des commandes
privées ou publiques.
Une constante de ma démarche est cet esprit de recherche
en arts visuels sur le thème de la transformation. L'arrivée
du numérique représente pour lui une belle ouverture vers
d'autres possibilités de création
Pour son apport remarquable à la vie artistique au Québec,
Yves Gonthier fut le premier artiste en Gaspésie à recevoir,
en 2003, le prestigieux Prix de la Création artistique du
Conseil des arts et des lettres du Québec. Une de ses œuvres
les plus connues est certainement la célèbre sculpture monumentale
Le Cadre naturel (21 x 34 pieds ou 7 x 11 mètres) installée
en permanence depuis 1995 sur la plage à Maria, dans la
Baie-des-Chaleurs.
Sous la plume de Rose Sourie, on pouvait lire dans Vie des
Arts en 2007 : ''Yves Gonthier trace des lignes qui le conduisent
là où ses désirs l'emportent. Véritable modèle de détermination,
Yves Gonthier illustre, à travers ses réalisations, le chemin
à prendre pour accomplir nos rêves, pour épancher nos curiosités
et pour graver les rencontres qui nous permettent d'exprimer
nos parcours de vie ou de nous conduire vers nos desseins.
En 2009 et 2010, ses œuvres ont été vues à Toronto, Tokyo,
Venise et Ponte Nossa (Italie).
Les trois œuvres présentées au Festival d'art érotiques
de Montréal sont des créations infographiques. Celle
intitulée Les atomes de l'existence a été exposée
à Venise. Les deux autres, Vénus web et Lune sont des créations
récentes montrées pour la première fois.
|
Radu
Juster
Craving for sushi, 2010
Numeric art on canvas
24 x 36po
895$ |
|
Né en Roumanie,
Radu Juster a étudié l’architecture en Roumanie et à Paris,
avant de graduer de l’Université de Montréal (1979). Membre
de l’Ordre des architectes du Québec, il travaille comme
architecte et planificateur des campus pour l’Université
McGill.
En parallèle à sa carrière d’architecte, Radu est très actif
dans le domaine de la photographie d’art et de voyage. L’érotisme
et la sensualité, traités avec finesse et sensibilité, se
retrouvent souvent dans son travail. Ses photographies font
partie de plusieurs collections privées et animent des sites
web.
Radu Juster est également réalisateur de courts métrages
de fiction et de matériel audiovisuel éducationnel. Ses
films ont été sélectionnés par des festivals en Suisse,
Allemagne, France, États-Unis et Canada. Il est le fondateur
de Amedem Films (2005).
|
Anouk Lacasse
Dance-désire, 2007
Acrylic on canvas
12" x 24"
400 $ |
|
Démarche
Active dans le milieu artistique de Québec depuis 1999,
j'alterne les expositions solo et collectives dans différents
cafés, galeries et salles d'expositions. Pourvue d'une solide
formation dans la conception visuelle théâtrale et de l'expérience
issue de la pratique du portrait dans le vieux-Québec, j'ai
bâtis au fil des années ma technique et nourris ma passion
du personnage, de la forme et de la couleur.
La peinture a toujours été présente, et je me suis forgé
au fil des années un langage imaginaire intime, que j'exprime
en mélangeant sensibilité et sensualité. Mes toiles parlent
souvent de la femme et révèlent une quête d'harmonie, qui
apparaît dans la matière, la ligne, le geste et la géométrie
des corps.
À travers mes
œuvres, je contemple le corps humain, l'être qui s'exprime
; par un silence, un mouvement, une envolée poétique...
Ces personnages et ces corps parlent la langue des sens,
du rêve, de la passion, de la danse...de la vie. Sensibles,
ils s'enlacent et s'entremêlent, épousent le décors qui
devient la projection de leur vie intime.
Un lien charnel
existe entre le corps et les formes organiques de la nature…
des formes qui rappellent des parties sensuelles de la femme,
de l'homme. Cette expérience sensorielle passe aussi par
un myriade de texures et volumes qui ajoutent à la présence
de l'œuvre.
|
Matthieu
Lapointe
Désire motion,
2010
Huile sur toile
48" x 36"
1 300 $
|
Désir et motion
Représente l'amour et l'action du même sujet entre deux
personnes. Hommage à Van Dongen, Hommage au Châle espagnol.
Représente l'inaccessibilité
de ses personnes qui se trouvent trop belles et qui ne veulent
pas fréquenté n'importe qui, peut importe leur classe social
et leur niveau spirituel.
|
Patrick Larrivée
Ariel, 2011
Acrylic on canvas
30 "x 30"
1 150$
En 1988, Patrick Larrivée,
issu du domaine de l'architecture, a commencé à s'adonner
de façon plus intensive à sa passion. ''Je peins l'acrylique
comme d'autres jouent de la musique, avec énergie et passion''.
Inspiré par la musique, il présente depuis 2009 ses créations
de peinture qui animent les sens. Son énergie devient un
élément qui compose son art dans une atmosphère de couleur
en interaction.
Fixer le tempo, tout en créant
du mouvement est son mode de communication. Il additionne
l'audace en y mettant des artistes de la relève. " Ils sont
l'essence même de notre culture en nous donnant le meilleur
d'eux même. Trop souvent dans l'ombre, à ma façon, j'essaye
d'y mettre un peu de lumière… "
Afin d'exploiter tous les
sens à travers ses œuvres, il utilise une technique bien
à lui, ce qui ajoute d'ailleurs une touche instinctive admirable
à ses tableaux. Ses œuvres témoignent ainsi de la spontanéité
et de l'énergie au moment de la création. Empreintes de
mouvements, elles sont colorées et explosives. Sans doute
la musique des artistes représentés qu'il écoute en peignant
y est pour quelque chose.
|
|
Démarche
En 1988, Patrick Larrivée, issu du domaine de l'architecture,
a commencé à s'adonner de façon plus intensive à sa passion.
''Je peins l'acrylique comme
d'autres jouent de la musique, avec énergie et passion''.
Inspiré par la musique, il présente depuis 2009 ses créations
de peinture qui animent les sens. Son énergie devient un
élément qui compose son art dans une atmosphère de couleur
en interaction.
Depuis 2011, il pratique son
art à temps plein et enseigne même à des enfants de la région
dans le cadre du programme de cours du Festival de peinture
à Mascouche. Il avoue d'ailleurs que cet élan nouveau dans
son coup de pinceau lui vient des prix qu'il a remporté
lors de cet événement, soit un en 2008, 2010 et l'autre
en 2011.
Afin d'exploiter tous les
sens à travers ses œuvres, le peintre utilise une technique
bien à lui, ce qui ajoute d'ailleurs une touche instinctive
admirable à ses tableaux. "Je fais le fond à la spatule,
mon sujet au pinceau et je termine en contrôlant mon giclé
de peinture sur la toile à l'aide de la spatule", explique-t-il.
Les œuvres présentées dans
ses expositions témoignent ainsi de la spontanéité et de
l'énergie dont fait preuve l'artiste lorsqu'il crée. Empreintes
de mouvements, elles sont colorées et explosives. Sans doute
la musique qu'il écoute en peignant y est-elle pour quelque
chose. "Je peins toujours en écoutant de la musique. Bien
souvent celle de l'artiste peint", mentionne-t-il. ?
|
Jessica
Lauzon
Les demoiselles de Saint-Catherine
Mixed medium on canvas
24" x 26"
200$
Nouvellement
Bachelière en arts visuels (UQAM), je consacre mon temps
à mes deux passions, l’art et la psychologie. Ce qui m’allume
est l’étude des effets de l’art sur l’homme et de voir
tout le bien-être que ça peut apporter! C’est pour cette
raison que je me dirige vers une maitrise en art thérapie.
Mon rêve est d’emmener l’art thérapie à l’échelle internationale
en le jumelant à un programme tel Artistes sans frontière.
L’Art thérapie sans frontière, ça peut sembler utopique
pour certain, mais pour moi c’est une évidence pure, car
l’art est un langage sans frontière!
Bref, ceci sont mes ambitions professionnelles face à
l’art, mais il y a aussi l’artiste en moi qui crée, car
la création est un besoin et bien-sûr, est thérapeutique
pour moi; c’est là que tout mes projet et idéaux ont commencés!
_____________________
Étudiante en arts visuel et médiatique à l'UQAM, Jessica
Lauzon complète son Bac en avril 2011. Elle pratique,
entre autre, la peinture, la sculpture et la photographie
numérique/argentique. Elle adore tout ce qui touche à
l'art (spectacles, pièces de théâtre et exposition) et
elle aimerait bien vous partager ce qu'elle découvre par
des courtes critiques et quelques photographies.
|
|
Démarche
L’œuvre, l’artiste et le spectateur sont les 3 composants
du monde de l’art, mais quel est leurs rôles, leurs fonctions?
Je m’intéresse aux rapports entre eux, ce qu’ils s’apportent
mutuellement. Plus particulièrement, j’aborde la fonction
thérapeutique qui est autant présente entre le spectateur
et l’artiste, l’œuvre et le spectateur, puis l’œuvre et
l’artiste. Ce sont ces dualités qui m’inspirent à la base,
c’est à partir de cette interrogation et de l’aspect thérapeutique
qui en découle que je développe des concepts. Ensuite, le
processus artistique ce déclenche : comment représenter
ces idées, quel matériaux choisir et pourquoi?
À force de réflexion sur le
rôle de l’art, autant dans ma pratique, que dans celle de
nombreux artistes que j’ai vue et étudiée, j’ai constaté
que la fonction thérapeutique est majoritairement présente.
Ceci est tout aussi vrai pour le spectateur qui vît l’œuvre.
Cette fonction de l’art fait partie de ma problématique
et m’emmène à penser l’œuvre comme une expérience sensorielle
basée sur la perception et la libération d’affects. Par
différents moyens, je tente d’intégrer le spectateur à l’œuvre,
en le faisant participer activement ou passivement, que
ce soit par la peinture, la sculpture, la photo ou la vidéo.
Je tends davantage vers la multidisciplinarité afin de créer
une expérience multi sensorielle.
En outre, ma motivation à
créer est a priori personnel, c’est un besoin. Ce qui prédomine
dans ma démarche, est la création d’une expérience intégrant
le spectateur et la volonté de véhiculer des émotions et
de jouer avec la perception en utilisant différents procédés,
matériaux et thématiques. En observant l’ensemble de mes
œuvres, le tout peut sembler hétéroclite, étant donné la
diversité des matériaux et thématiques. Par contre, on se
rend compte qu’il y a une ligne directrice : l’intérêt pour
la psychologie, la dualité, la perception et pour le spectateur,
qui se retrouve au centre de ma problématique.
|
Marie-Andrée
Leblond
Si les murs pouvaient parler, 2009
Mixed medium on canvas
30" x 24"
1 050$
LEBLOND, Marie-Andrée This young artist with a passion for
nature generally uses a mixed media technique of acrylics
and water colour inks.
Contrary to some artists that incorporate texture directly
in the way they work, she tends to prepare her canvases
with textures before paintings thus creating a sort of bas-relief
onto which she applies colours.
She adores animals, movements, the body and expressions.
The subjects of her paintings are roosters, horses, flowers,
bulls, dancers, nudes and portraits. Much like the artist
the horse is a symbol of strength, pride, freedom and immense
sensitivity that shows in all her works
_________________________________________
LEBLOND, Marie-Andrée Cette jeune artiste passionnée de
la nature favorise généralement une technique mixte, ses
œuvres son majoritairement des acryliques rehaussés d’encre
aquarelle. Contrairement à d’autre artiste qui créent des
textures en cours de travail, elle apprête sa toile puis
fait pour ainsi dire un bas-relief sur lequel elle applique
la couleur.
Elle adore les animaux, le mouvement, les corps et surtout
l’expression. Le coq, le cheval, les tournesols, le taureau,
la danse, les nus et le portrait sont ses sujets principaux.
Le cheval qui, tout comme elle, symbolise la fierté, la
force, la liberté et une immense sensibilité qui se reflètent
dans ses œuvres.
|
Artist statement
Born in June 1978 in St Jean sur Richelieu.
She got interested in drawing as at the very young age of
twelve and learned oil painting on her own at the age of
fourteen.
Upon receiving her diploma
in visuals arts from the cégep du Vieux Montréal she continued
studying illustration at the Collège Salette. Marie-Andrée
won a series of prizes at different municipal exhibitions
and started being noticed by art galleries. She made her
definite move to the art market at the age of 19.
Recognizing her chance and
with a lot of ambition she still wants to learn from her
work. Nowadays her paintings are mostly acrylics with water-colour
ink, a technique which she has adopted for the richness
of the colours.
She adores movements. The subjects
of her paintings are roosters, horses, sunflowers, bulls,
dancers, nudes and portraits. Much like the artist the horse
is a symbol of strength, pride, freedom and immense sensitivity
that shows in all her works
________________________________
Démarche
Née le 6 juin 1978 à St Jean
sur Richelieu
Elle a commencé à s'intéresser au dessin dés l'age de 12
ans et a débuté par elle-même son apprentissage de la peinture
à l'huile vers 14ans
Après son diplôme en art visuel
au Cégep du Vieux Montréal, elle a poursuivi ses études
en illustration au Collège Salette.
Une série d'expositions municipales
lui valent quelques prix ce qui l'aidera à attirer l'attention
des galeries. Elle fera donc son entré définitive sur le
marché d l'art à l'age de 19ans. Marie-Andrée gagne le "
Prix du public " à l'exposition printemps Art-Visuel de
Brossard en 1999 l'a permis d'attirer l'attention de sa
première galerie " Clarence Gagnon " en octobre de cette
même année
Consciente de sa chance et
avec beaucoup d'ambition elle continue à vouloir apprendre
de son métier. Maintenant ses œuvres son majoritairement
des acrylique rehausses d'encre aquarelle, une technique
qu'elle a adopté pour la richesses des couleurs.
Elle adore les animaux, le
mouvement, les corps et surtout l'expression. Le coq, le
cheval, les tournesols, le taureau, la danse, les nus et
le portrait sont ses sujets principaux. Le cheval qui, tout
comme elle, symbolise la fierté, la force, la liberté et
une immense sensibilité qui se reflètent dans ses œuvres.
|
Paul-Tex Lecor
Sans titre, 2011
Oil on Canvas
24" x 12"
5 175 $
For an evergoing traveler
like Tex, Canada is a vast land to discover. It’s mainly
in his own province, Québec that he paints. Always on the
move, he captures in some remote areas the spirit of down
to earth people. It’s in the country side, in the forests
or on the shore that’s he finds his inspiration. The wide
variety of his paintings lets us appreciate a very personal
style. Trappers, well seasoned farmers or fishermen are
his favorite subjects. What he pictures best are down to
earth people. Wether on a subject painting or on scenery,
his colourfull approach bears only one inimitable signature:
Tex’s. The plastic beauty of his style manifests itself
by a strong structure of the form. Smooth and sharp, she’s
drawn with a particular light, a need of space and a realistic
climate. His paintings are a neat signature of his originality.
The role of the long-boats in the sea scenery or of the
houses in the landscape scenery catches the eye in a way
where lines and angles flow, mingle and complete themselves.
The hand of artist never fumbles. It is always guided by
an observing eye and really transmits on the canvas the
colour and climate of his art. Tex is a figurative painter
who puts away reason to obey only... to his heart.
______________________________________
Paul Tex Lecor est né le 10 Juin 1935, à St-Michel de Wentworth,
au Québec. Homme des grands espaces, descendant sans doute
d’anciens coureurs des bois, Tex Lecor est issu d’une famille
de peintre douée de générosité et d’un rare sens de la justice.
Après avoir complèté ses études secondaires chez les Clercs
de Saint-Viateur, il reçoit de 1951 à 1958, une solide formation
à l’école es Beaux Arts de Montréal, pratiquant durant 6
ans : dessin, peinture, sculpture, décoration durant 4 ans,
plus 2 années consacrées à la publicité et dessin commercial,
et fait fructifier en lui l’enseignement des professeurs
: Jean Simard, Irène Sénécal, Yves Ley, Jacques Tonancourt
et Stanely Cosgrove.
La Beauté plastique dans l’œuvre peinte de Tex Lecor se
manifeste par une structure solide de la forme. Souple et
nette, elle est construite avec une lumière, un besoin d’espace,
un climat d’étonnante justesse. Dans ses dessins fougueux
aux traits mordants, appuyés ou alertes, l’artiste révèle
l’essence même de son art : clarté de la lecture de la ligne,
ordonnance, audace et originalité de la composition.
Hugues de Jouvancourt
|
Démarche
Né à St-Michel-de-Wenworth dans
la région de Lachute, le 10 juin 1933, Paul Tex Lecor y
vivra une enfance pleine d'images où, dans l'atelier de
son père, un peintre issu de la Bretagne, il acquerra la
passion des arts et l'amour de la mer.
A l'âge de 18 ans, encouragé
par son professeur, le frère de Paul-Émile Borduas, Tex
entreprend des études aux Beaux-Arts de Montréal. Il y restera
pendant six ans. Peu après, il s'installe rue Ste-Famille,
véritable pépinière d'artistes, puis plus à l'est, rue Cherrier,
tout près de chez Léo Ayotte. Entre ces deux artistes à
l'esprit bohème naîtra une longue et solide amitié.
En 1960, les recettes de l'artiste
sont maigres et les ventes occasionnelles de ces tableaux
ne lui permettent pas de vivre de son art. Tex, qui gratte
la guitare et possède une voix agréable et l'oreille musicale,
tâte alors la chanson et le domaine du spectacle. Le succès
ne se fait pas attendre. Dès 1970, commencera une lucrative
carrière de chanteur, animateur, humoriste avec la populaire
émission télévisée Sous mon toit (1970 à 1976), l'enregistrement
du Frigidaire (1974), l'émission-piège Les insolences d'un
téléphone et l'hebdomadaire radiophonique Le Festival de
l'humour.
Si l'artiste populaire est
présent partout, le peintre n'a pas été mis au rancart pour
autant. En fait, dès 1970, maintenant à l'aise financièrement
et disposant de plus de temps, Tex déploie une activité
débordante en peinture. En 1972, il fait la rencontre de
Denis Beauchamp, propriétaire d'une galerie d'art à Laval,
qui lui propose de s'occuper de la vente de ses tableaux.
Sa première exposition aura lieu quatre ans plus tard à
la Galerie des Peintres du Québec, à Montréal. C'est également
à cette époque qu'il déménage ses pénates et s'installe
à St-Louis-de- Terrebonne, où il vit encore.
DE 1970 à 1980, Tex Lecor s'applique
à se perfectionner. Il adopte la technique de Marc-Aurèle
Fortin, qu'il admire, laquelle consiste à travailler le
sujet sur fond noir, bleu ou rouge. Scènes de groupes, en
plein air ou à l'intérieur, manifestent alors sa très grande
maîtrise de la technique doublée d'un excellent sens de
la composition et d'un grand souci du détail. La recherche
de la luminosité continue aussi de s'accomplir, lentement
mais sûrement. C'est durant cette période que commenceront
les voyages de peinture qui l'amèneront en Mauricie, au
Saguenay-Lac-St-Jean, à Charlevoix, au Nouveau-Québec et
d'où il ramènera en tableaux aussi bien les solides bûcherons,
les pêcheurs ou les Inouits que la faune fréquentant les
tavernes. Son style, sa façon de voir, de sentir et de s'exprimer
se développent, laissant présager du brillant coloriste
qu'il deviendra.
Le début des années 80 marque
pour l'artiste le passage de l'ombre à la lumière. Il maîtrise
enfin l'acrylique qu'il tente de mater depuis 15 ans. Sa
palette se fait plus réduite mais plus brillante aussi.
Sa touche est solide et fière, la ligne conquérante. Le
peintre, qui se consacre maintenant à son art de manière
constante, se concentre plus que jamais sur la brillance
du coloris, la beauté de la matière et le mouvement qui
donne toute sa vie au tableau. Choisi en 1987 comme ambassadeur
itinérant de la peinture canadienne par Iris-Film, il parcourt
ainsi les dix provinces et y rencontre d'autres peintres.
Cet épisode sera déterminant dans la carrière de l'artiste.
Les tableaux ramenés de ce périple étonnent par la richesse
des couleurs, la simplicité du traitement et l'originalité
des sujets, comme toujours croqués sur le vif. Sous le ciel
des Rocheuses, Tex Lecor découvre une nouvelle façon de
voir. Plus que jamais, sa peinture s'illumine.
Aujourd'hui, soit plus de 40
ans après sa sortie des Beaux-Arts, Paul Tex Lecor est un
artiste complet. Virtuose de la couleur, habile dessinateur
et fin observateur, Tex continue de parfaire sa vision des
choses et de donner vie à toutes les images qui meublent
son imaginaire. Sa palette audacieuse, son style incomparable
et inclassable, sa verve et son humour en font l'un des
peintre figuratifs les plus connus et reconnus du Canada.
Ces œuvres côtoient aujourd'hui celles des plus grands dans
des galeries canadiennes , américaines et européennes.
|
LIPSTIK
Orgasmic-Stadium, 2011
Numeric art on paper
22.375" x 34"
120 $
Electric Pin Ups & Acid
Soda !
LIPSTIK, born in France
in 1976 and now living in Montreal (Canada), has conducted graphic
research inspired by Junk Culture and 70’s Soft Porn since 2000.
Female icons pose in
a semi-ficticious, flashy, super-sexy pre-apocalyptic world where
voluptousness, vice and consumable goods are one…
Fast food packaging,
high voltage videos, thematic wall pannels, neon signs and fetishized
plastic objects… Pinball, Roller Derby, voodoo, Luxury & decadence…
Issued from the Street
/ Skateboard Culture and highly influenced by Punk, Pop art and
Sci-Fi, LIPSTIK projects us into a retro-futuristic aesthetic
visually located between Art Nouveau and 80’s airbrush.
An iconographic figure
of the Montreal underground scene, the artist mixes an abusive
use of branding and adds a tint of cynicism, allowing a neutrally
submissive and contemplative view of a society which is permanently
being bludgeoned by advertising.
After exhibiting four
consecutive years at the Erotic Festival of Montreal, LIPSTIK
is for the second time a book’s winner at the International Erotic
Signature contest as well as Art Undressed Exhibition Tour 2009
and 2011 opening at the World Erotic Art Museum of Miami.
Démarche
Electric Pin Ups & Acid Soda ! LIPSTIK, né en France en 1976 et
actuellement basé à Montréal, mène depuis plus de dix ans des
recherches graphiques inspirées de la Junk Culture et du Soft
Porn. L’icône féminine, sujet central de son travail, évolue à
travers un univers semi-fictif flashy et super-sexy, vision parallèle
d’un monde pré-apocalyptique où volupté, vice et biens consommables
ne font plus qu’un...
Emballages de fast food, vidéos
déjantées, panneaux muraux thématiques, néons et objets en plastique
détournés... Pinball, roller derby, voodoo…Luxe, décadence & fétichisme…
Issu de la culture street/skateboard
et fortement influencé par le Pop art, le Punk, la science-fiction,
LIPSTIK nous projette dans une esthétique rétro-futuriste au rendu
visuel situé entre Art Nouveau et la peinture à l’aérographe de
la fin des années 70.
Figure incontournable de l’underground
montréalais, il met en évidence notamment, via un usage abusif
du branding, l'attitude neutre, passive et contemplative d'une
société en permanence soumise au "matraquage publicitaire".
Après quatre années consécutives
de présence au Festival d’art érotique de Montréal, l’artiste
a été retenu deux fois en 2009 et 2011, comme l’un des gagnants
du concours international Erotic Signature associé à la tournée
/ exposition américaine Art Undressed ouvrant au World Erotic
Museum of Miami.
Lucien
Lisabelle
Projet Corporel-VI, 2011
Photo numérique sur canevas
71 x 45.5cm
700 $
Photographe depuis 1975, ces nus artistiques sont une suite
logique à ma démarche artistique. Ils sont traités comme
des paysages inspirés de mes vues aériennes. J’ai l’impression
de pousser le numérique à ses limites. Chaque photo est
traitée différemment et les couleurs sont choisies selon
l’inspiration de la prise de vue. Comme le peintre devant
sa toile, j’arrive à une étape où je dois arrêter. Le travail
de post-production est terminé. La lecture de ces photographies
se fait sur deux niveaux; en vue d’ensemble, on voit la
composition et les couleurs qui forment la photo, puis de
plus près, on est saisi par le détail des artéfacts créés
par les pixels.
|
|
Démarche
Photographe depuis 1975, ces nus artistiques sont une suite
logique à ma démarche artistique. Ils sont traités comme
des paysages inspirés de mes vues aériennes.
J'ai l'impression de pousser
le numérique à ses limites. Chaque photo est traitée différemment
et les couleurs sont choisies selon l'inspiration de la
prise de vue. Comme le peintre devant sa toile, j'arrive
à une étape où je dois arrêter. Le travail de post-production
est terminé.
L'image produite est imprimée
sur du canevas de haute qualité à l'aide d'une imprimante
HP Z3200 utilisant des encres de qualité archive. Je limite
les impressions à 5 tirages.
La lecture de ces photographies
se fait sur deux niveaux. Sur une vue d'ensemble on voit
la composition et les couleurs qui forment la photo, puis
de plus près, on est saisi par le détail des artéfacts créés
par les pixels.
Les personnes qui travaillent
pour moi sont des modèles professionnels qui posent pour
des peintres et des sculpteurs. Elles me permettent de réaliser
ces photographies presqu'irréelles de style romantique tout
en étant très actuelles.
|
L'OR, Louise
Rouleau
The Muse, 2010
Techniques mixtes sur toile
24"x40"
1 400 $
Démarche
Chaque clignement de mes yeux s'adresse et se dirige vers l'être
humain. Très tôt dans ma vie j'ai compris que ce serait mon sujet
d'observation. Fascinée par l'interprétation possible de ses mouvements,
de sa grâce et de son ambivalence, l'être que j'observe me ravit,
m'interpelle, me désarme à tout moment.
Je cherche à traduire
ses formes, ses intentions mystérieuses si souvent bien dissimulées
sous de fausses projections lancées par le regard, sa gestuelle
… qui me laisse entrer et découvrir l'impensable, l'inexplicable
… l'indéfinissable dimension humaine.
Mon seul désir est de
me dire … mais encore ? Ce qui me pousse à scruter de nouveau
celui ou celle qui se trouve devant moi afin d'en révéler la vrai
essence.
Comme une bête sauvage
remplie de fougue s'entremêlent mes couleurs. Tantôt chaudes,
tantôt froides, lignes fortes et frêles, textures et coups de
spatules, figuratif, abstrait, contemporain : tout ces aspects
se côtoient créant ainsi la plus belle harmonie.
Autant de variables
que d'êtres humains, une magnifique aventure à la conquête de
l'être dans toute sa splendeur que je peins à partir de ce qu'il
m'offre, que je déverse sur ma toile afin qu'au grand jour on
découvre sa personnalité unique.
C'est à travers la simplicité
du geste que j'explore la dimension humaine et grâce à une recherche
constante de l'expression du corps que mon style est en pleine
évolution .
Margotella
Ma démarche artistique
se caractérise par l’exploration de l’authenticité de mon expression
émotionnelle à travers les couleurs et les formes. Il s’agit d’œuvres
crées de façon spontanée qui sont le reflet de mon état d’âme
au moment de leur création. Le tracé des lignes reflète l’encadrement
circonstanciel dans lequel ces émotions se manifestent et s’épanouissent
et l’approfondissement de celles-ci. L’utilisation des couleurs
est mon vocabulaire… chaque couleur reflète un sentiment particulier…
Dans ma technique 3-D j’explore ma féminité, l’huile sur plywood
est le reflet de ma sexualité, le Grafftag est un travail d’équipe
avec un artiste anonyme aspirant et le Freestyle est le défoulement
de toutes mes frustrations….
Touch me 2011
Popart poster
60 x 95 cm
550 $
|
Julie Mercure
Noan, 2009
Oil on Canvas
14 "x 18"
740$
|
Julie Mercure est une artiste
autodidacte émergente en voie de professionnalisme en arts
visuels qui utilise le médium de la peinture à l'huile pour
mettre en vie une collection de tableaux de différents formats.
Ses œuvres sont inspirées
de la thémathique des visages et des corps nus. Elle affectionne
un style de peinture qui met en valeur l'expression du mouvement.
L'explosion de couleurs, l'extravagance et l'émotion qui
émerge de ses œuvres sont des éléments qui se retrouvent
sur chacune de ses toiles. Son art, à la fois réaliste et
figuratif, alliant le style bande dessinée, projette des
femmes flamboyantes, créées avec des mélanges de couleurs
osés et des reliefs. Elle emploie différentes tonalités
de couleurs généralement appliquées à l'aide de pinceaux
et de spatules, donnant libre cours à son imagination. Elle
utilise aussi du " modeling paste " pour créer de la texture.
On y découvre une sensualité inspirante et une maîtrise
du dessin incontournable. Ses œuvres sont toutes réalisées
de façon minutieuse afin de représenter un côté sensuel,
audacieux et déterminé.
Sa technique de peinture révèle des chefs-d'œuvre artistiques
à découvrir. Celle-ci se démarque grâce à son vif coup de
pinceaux, capable de traduire les sentiments les plus forts.
Elle tente de faire en sorte que chaque toile ait une histoire
particulière que les gens peuvent interpréter à leur manière.
L'artiste utilise la peinture à l'huile pour mettre en vie
ses tableaux. Les œuvres de Julie Mercure partagent des
traits communs; lèvres charnues, airs ténébreux, traits
tout en rondeur, chevelure sulfureuse. Pour elle, l'asymétrie
sur ses toiles est nécessaire, car la vraie beauté n'a aucun
lien avec la perfection.
|
|
Julie Mercure
est une jeune femme audacieuse, déterminée et persévérante
qui adore s’impliquer dans différents projets. Cette passionnée
des arts, de la publicité et du design ne s’arrête jamais!
Étudiante dans un Baccalauréat en Communication Marketing
à l’UQAM et détentrice d’un Diplôme d’Études Collégiales
Technique en Gestion de commerces du Collège Ahuntsic, elle
sait saisir chacune des opportunités lui permettant de s’épanouïr
et d’atteindre ses rêves. D’ailleurs, son parcours est assez
impressionnant vu son jeune âge. Au fil des ans, cette talentueuse
jeune femme a su démontrer à tous et à toutes sa force d’action
tant au niveau individuel qu’en équipe. Son envergure montre
à chacun de nous que « quand on veut, on peut ». Julie Mercure
est persuadée que c’est de cette façon qu’il faut s’y prendre
pour faire sa marque. Oser est son mot d’ordre, se relever
est son défi.
|
Payam Montazami
Appease the Gods of Nippopolis,
2011
Acrylic on papier russe
2 500$
|
|
|
|
|
Breast In Plants, 2010
Acrylic on papier russe
16" x 20"
400$
|
Tony Moriello
Vous
regardez le tableau à une distance de 1,5 mètre
- 4 pieds..
Biography
For over a decade now Tony Moriello has been producing high impact
imagery, brand development, and conceptual graphic design for
a wide group of influential clients. His work as a designer has
earned him several prestigious awards for his original creations.
Today he introduces his latest artwork through color synergy.
Inspired by photography, cinematography and pornography, his creations
highlight the chemistry of colors with abstract design. Every
piece explores the issues relative to today's culture, public
and private identity, expurgation as well as exhibitionism.
Biographie
Depuis plus d'une décennie maintenant, Tony Moriello produit des
images " à impact élevé ", des stratégies de marque et des concepts
graphiques pour de nombreux clients influents. Son travail et
ses créations originales en tant que designer lui ont valu plusieurs
prix prestigieux. Il nous présente aujourd'hui ses créations les
plus récentes, axées sur la synergie de la couleur. Inspirées
de la photographie, du cinéma et de la pornographie, ces compositions
abstraites mettent en lumière la chimie des couleurs. Elles portent
sur des problématiques relatives à la culture actuelle, à l'identité
publique et privée, à l'expurgation et à l'exhibitionnisme.
Ce qui se voit dans le cellulaire ou la caméra !!!
Papillon
Mixed medium on canvas
48" x 48"
1 400$ |
Artist statement
Having all but abandoned my paintbrush and all its traditional
pigments, I find myself dazzled in a pixel world. The result of
an epiphany, and the outcome of something so negative, a "pixilated"
image becomes a stunning fascination. Color synergy and color
composition create a vibrancy to stimulate all five senses. Simply
attracted to color, the actual image remains a fantasy. The magnetism
of the colors draws in the observer without he or she recognizing
my hidden explicit image behind each print in its physical size.
Most of my images are inspired by pornography by highlighting
the chemistry of colors with abstract design. These color pixel
images are appreciated for their color composition, and with a
little inspiration, imagination, and creativity, one can discover
the hidden sexual perversion. What is your sex color?
Démarche
Ayant pratiquement abandonné mon pinceau et les pigments traditionnels,
je me retrouve, ébloui, dans un monde de pixels. Résultat d'une
épiphanie et aboutissement d'une chose tellement négative, l'image
" pixélisée " devient un étonnant objet de fascination. La synergie
et la composition de la couleur créent une résonance qui stimule
les cinq sens. Simplement évoquée par la couleur, la véritable
image demeure un fantasme. Le magnétisme de la couleur attire
le spectateur sans qu'il discerne l'image explicite que j'ai dissimulée
derrière chaque impression dans ses dimensions physiques. La plupart
de mes images sont inspirées de la pornographie et soulignent,
par la composition abstraite, la chimie des couleurs. Ces images
de couleur pixélisées sont d'abord appréciables par leur composition,
mais il suffit d'un peu d'inspiration, d'imagination et de créativité
pour découvrir la perversion sexuelle cachée. Quelle est votre
couleur sexuelle ?
Newton Reece
Begging will get you no where
Numeric art on canvas
26" x 16"
350 $
|
|
RJ Newton is an erotic and
fetish photographer, based out of Atlanta, GA – USA. Originally
from England, he immigrated to the United States as a young
boy with his family back in 1983. Growing up in Northwest
Florida, he enjoyed art class in school, but had no idea
that one day he would pursue his artistic goals in the realm
of photography.
RJ Newton has been photographing erotic and fetish since
first capturing bondage expert Mistress Midori in a live
performance at the now defunct Chamber Club of Atlanta in
2003. He strives to capture the beauty of fetish, and the
dynamic between top/bottom, dominant and submissive. He
prefers to create dream-like images that are far away from
reality. He loves to use colour boldly wherever he can.
He hopes to continue to grow and evolve as a photographer
learning and practicing new techniques when he has opportunity
to do so.
RJ Newton’s work has been seen at numerous Atlanta based
shows, the Dirty Show in Detroit, The Art of Kink exhibit
at Fetishcon in Tampa, Florida, and he is also the curator
of the Ikaros Art Collective. Conceived in 2008, the goal
of the Ikaros Art Collective is to promote the best of the
erotic & fetish photography genres by giving artists a venue
to show their work to the masses. Pan-sexual in nature,
this exhibit and online sales gallery strives to show and
include the many facets of beauty in human sensuality. The
goal is to make people think, and RJ Newton strives to push
the boundaries of what erotic & fetish photography is evolving
into.
RJ Newton has also shown his work and was the curator for
the fetish photography exhibit at Club 1763 in Atlanta for
its annual Atlanta Bound event for 2008 and 2009. He has
also exhibited at and enjoyed the role of co-curator at
two previous Atlanta fetish photography exhibits - "Behind
Closed Doors" in 2007, and "Controlled Seduction" in 2006.
|
Ouram
St.Sophie
La sculpture est mon écriture.
J'exalte l'amour en tous ses états, ce sont mes sculptures
framboises. Je torée ses avatars, ce sont mes sculpture
avanies. Sculptures philosophales, car la pierre philosophale
n'est qu'un mythe... mais elle existe! Nous l'avons tous
au tréfonds de nous: c'est notre cœur de petit enfant: c'est
lui qui transforme tout ce qu'il touche en or. Mais si les
petits enfants sont des anges, nous sommes des hommes et
des femmes; La vocation de l'homme, c'est la femme, et réciproquement.
Je suis né sculpteur, mais j'ai mis un certain temps à m'en
rendre compte, Mon matériau de prédilection est le métal
coulé (principalement par la "cire perdue") or, argent ou
bronze, mais surtout le bronze, en petit format, réalités
obligent.
|
|
Poème
de l'artiste
Si j’étais
une femme,
le mont consacré à Vénus serait si haut,
et ses parois de silice si pures,
qu’aucun alpiniste ne saurait le conquérir.
Au plus dense de sa chaude forêt,
une clairière parsemée de diamants
abriterait l’accès du temple
dont je serais la vestale.
Au coeur de
ce temple, j’animerais
un brasero de flammes riantes
qui lècheraient tes plumes sans les bruler,
et qui enflammeraient l’essence de tes sens,
ce jour béni où tu atteindrais
ce nid qui n’attendrait que toi,
ô phénix!
Si j’étais
une femme,
jamais je ne serais la femelle d’un homme,
mais, si tu le voudrais* bien, je t’aiderais
à préparer le philtre qui ferait de toi
mon homme,
je t’aiderais à lisser tes plumes avant ton envol
pour me rejoindre, alors je deviendrais enfin
ta femme,
ô cygne que j’espèrerais.
Si j’étais une
femme,
Hercule pourrait me tuer,
mais il ne pourrait jamais me prendre.
Si j’étais une
femme,
tu m’appellerais Amazone.
*note de l’auteur
: formulation intentionnelle
L'éternel féminin
Bronze
1200 $
|
Leda appelant le cygne
Bronze
1700 $
La venus de Mars (petit model)
Bronze
130 $
|
Laurence Petitclerc
LAUR délicates, 2009
Tempura on Calque
10" x 8"
300$
Ccana
Fidel Ponce
Ccana Fidel Ponce Al lado de Marie-B II
Mixed medium on canvas
92 x 76 cm
2 500$
|
Pendant mon enfance j'ai grandi entre
la culture andine à travers l'éducation offerte par mes parents,
et la culture occidentale, qui arrivait par les moyens de communication
et le système éducatif. Depuis, j' ai le désire de montrer ce
métissage, propre et typique de mon pays, à travers mon travail.
Dans mes travaux, de moyen et grand format, la figure humaine
est prédominante comme élément principal pour exprimer des situations
existentielles : un corps vide entouré de symboles précolombien
géométriques et linéaires, comme structures architectoniques solides
et spatiales. Dans les petits formats aussi le travail s'inspire
à la nature morte classiques. Tous ces éléments se mélangent avec
des couleurs qu'on retrouve dans la vie quotidienne de nos jours
: les lumières de néon, les discothèques, l'Internet, la télévision
et tous les moyens modernes qui sont exécutés avec subtilité et
matière abondante, a fin de chercher un langage dans lequel je
puisse traduire un rencontre plastique entre l'ancien et le moderne,
entre la tradition millénaire et la modernité de nos jours.
Thierry
Quenette
J'ai exploré le mystère
de l'érotisme, afin d'en saisir le fondement essentiel de la relation
entre femme; étape par étape, du sein et son galbe au sexe et
ses différentes formes. Le choc des peaux malgré leur douceur
de lait et la fermeté de l'étreinte entre 2 amantes. Je recherchais
avant tout l'équilibre dans les courbes. Allier féminité et force.
La série représente cette réalité fantasmée dans le parfait et
l'imparfait. La romance qui n'est plus usage courant, la sur-
saturation de la bi-sexualité baisse la garde pour laisser place
à la tendresse et l'amour véritable de mes muses ... mises à nue
|
Série Muse a nue2
Photography on paper
20 "x 16"
450$
|
Vanessa
Roberge
Dania, 2010
Acrylic on canvas
36" x 24"
800 $
|
Démarche
Vanessa est animée par la complexité de l'humain en général.
Elle est à la fois fascinée par la nudité corporelle et
spirituelle de l'homme ainsi que par les forces qui le poussent
à survivre chaque jour. Ses toiles laissent transparaître
l'énergie psychique et émotionnelle des personnages qu'elle
emprisonne à l'intérieur de leur propre cadre.
Par ailleurs, les cloisons qu'elle érige entre les couleurs
utilisées traduisent sa conception de l'indépendance de
chaque cellule du corps humain. Par le biais de cette technique
spécifique, elle réussit à créer des êtres complexes et
uniques dans chacune de ses œuvres, qui apparaissent d'emblée
comme une unité dans le monde infini de l'art. Or, chacune
des toiles abrite des personnages qui dévoilent leur nature
exclusive, et l'énergie dégagée par ceux-ci crée à tout
coup un univers vibrant qui plonge inéluctablement le spectateur
dans un état d'esprit profond, intense et perturbé .
Enfin, non seulement les voies de création artistique qu'emprunte
Vanessa illustrent-elles la franchise et la lucidité avec
lesquelles elle aborde ses erreurs et ses craintes, mais
elles dévoilent également qui elle est réellement.
|
Julie
Robinson
Elles 1, 2010
Acrylic on canvas
30" x 37"
670 $
|
Démarche
LA FIÈVRE AU CORPS
Sculpteure depuis plusieurs
années, le corps dans tous ses mouvements et vibrant d'émotions
m'a toujours été une grande source d'inspiration. Quoi donc
de plus normal que ce corps m'ait à nouveau servi de muse
au cours de cette dernière année d'exploration de l'univers
de la peinture.
Caressant la toile de mon
pinceau, j'ai découvert un moyen d'expression charnel et
sensuel, se pliant à ma volonté d'une manière directe et
graphique à souhait.
Pour cette quête d'un renouveau
radical, j'ai choisi d'ignorer mes sentiers battus, de transgresser
les barrières du convenu et du convenable et de mettre en
scène le corps dans ses expressions les plus charnelles
et provocantes.
Abandonnant complexes, pudeur
et timidité, j'ai jeté sur la toile, la vision d'une vie
toute nue, d'une sexualité sensuelle désinhibée et de corps
abandonnés au plaisir, exhalant soupirs et effluves fluides.
La technique photographique,
toute d'ombres et de lumières, couplée à la passion de l'éclatant
cramoisi, illustre dramatiquement le rôle déterminant de
chacun des pores de cette peau fiévreuse.
|
Tone
Lets-go-to-the-bitch, 2009
Mixed medium on canvas
122x122cm
3000$
|
|
|
Démarche
D'une grande sensibilité plastique, je situe mon métier
d'artiste-peintre à l'intersection de plusieurs disciplines
artistiques. Et je ne peux concevoir mon évolution personnelle
et ma pratique professionnelle sans toutes ces différentes
interactions artisiques.
_________________________
URBAIN PAR ESSENCE, le travail de Tone puise son inspiration
de la ville. Tone réalise ces créations sur toiles et panneaux
de bois principalement. Il use de techniques mixtes dans
ses compositions qui combinent LA TYPOGRAPHIE, L'ARCHITECTURE,
LE GRAPHISME et LA CALLIGRAPHIE.
SES CRÉATIONS renvoient aux
aspects de l'univers GRAFITTI, de la CULTURE POP et de l'utilisation
d'images issues de différents médias.
FRAGMENTS DE TEXTES, images
issues de magasines, POCHOIRS, éléments récupérés dans la
rue, encre, feutre, crayons, éléments divers et PEINTURE
remplissent la surface, transcrivant des PENSÉES URBAINES
que l'on peut regarder avec curiosité et plaisir. Les compositions
plastiques de Tone sont d'autant plus complexes et diverses
que les environnements qui les inspirent.
L'ARTISTE utilise des LIGNES
DIRECTRICES qui structurent la pleine surface de création,
reflétant ainsi ses formations d'architecture et de design
graphique. TONE N'A PAS UNE MÉTHODE DE CRÉATION RÉPÉTITIVE
et systématique. Son processus de création varie d'une composition
à une autre selon le RESSENTI DE L'ARTISTE.
Tone a eu la chance d'EXPOSER
SES CRÉATIONS dans plusieurs galeries d'art et lieux évènementiels
en France, AU CANADA et aux États-Unis.
|
Vid Vicious
Director, Producer,
Videographer, Photographer, Graphic artist Vid Vicious is easily
recognizable due to his unique emotional creations; his pieces
are spectacular, exciting one's fantasies. His talents were evident
at a young age. Coming from a strong ethnic culture, his artistic
talents were not prided on by family members. In high school,
a very special teacher guided Vid to a multi-media educational
art programs allowing him to flourish. Vid's success throughout
his college years gained him recognition from various departments
of government and organizations. Pressures to find a promising
career path amounted; Vid redirected his talents to Broadcasting
and Communications. His work can not be easily summarized as it
spans decades of continued success. Recently, Vid Vicious has
re-emerged as a recognized artist. In the last few years, Vid's
creative energies are fuelled by the intriguing fetish dimensions.
Vid Vicious; An artist creating emotions that emit sexual energies.
CBT2, 2010
Photography on paper
30" x 20"
800 $
|
|
Dead doll, 2010
Photography on paper
16" x 24"
350$
|
Willy
Nouvelle-France
Oil on Canvas
125 x 101cm
10000 $
Willy utilise le support érotique, qui lui est
familier depuis son adolescence, et exprime un sentiment nouveau
depuis son immigration au Canada, celui de la différence de regard
porté sur l’érotisme, éroné par la pudeur selon les mœurs affirmés
dans différentes cultures.
__________________________________________________________
Jennifer-Lee
Barker
Conseil des artistes québécois
info@conseildesarts.org
514-347-6910
www.conseildesarts.org
|